Partie 2 : Buffy, une série qui critique les autorités nulles de notre société !

Yo ! Ca va depuis la dernière fois ? Bon je vous propose qu’on reforme notre Scooby Gang et qu’on plonge à nouveau dans la super série, Buffy contre les vampires.

Dans un premier épisode, on s’est intéressé au traitement des personnages, et plus globalement aux causes défendues par la série : la place des femmes, la place des différentes sexualités, la place des Autres avec un grand A (car tous les non-humains ne sont pas les méchants, et les humains, au contraire, peuvent tout à fait être animés de mauvaises intentions), le traitement des inégalités scolaires ou économiques, la place de la culture (à la fois geek et savante) dans la série… Et on a souligné le fait que le racisme était assez peu traité par la série, seul petit bémol mais à ne pas négliger.

Cette fois, on va s’intéresser, de manière renversée, à tout ce que la série critique. Vous allez le voir, on va revenir sur certains points assez peu développés dans la première partie, mais aussi prendre de nouveaux angles d’analyse. Let’s go !

1/ Le monde des adultes

Dans Buffy, l’adolescence est valorisée, au détriment du monde des adultes incarné par les parents évidemment, mais aussi les profs et le proviseur, le monde du travail, etc.

Dans notre première partie sur Buffy, on a rapidement évoqué Dawn, la petite sœur de Buffy. Cette dernière est exaspérante dans son rôle d’ado colérique, boudeuse, voleuse. Mais elle aussi est un personnage très sensible et très intelligent, et au fil des saisons, elle se met à effectuer un gros travail de l’ombre pour aider le Scooby Gang à combattre le Mal, sans broncher, sans chercher la lumière (et vous pouvez imaginer comme c’est dur d’être dans l’ombre d’une sœur Tueuse connue dans le monde entier). Ici, les scénaristes nous envoient un message en montrant un monde adolescent parfois plus mature et rationnel que celui des adultes. Et cette valorisation de l’adolescence, voire de l’idée de socialisation inversée, où ce sont les ados qui se montrent plus fins et matures que les adultes et qui les corrigent, les recadrent, revient souvent dans la série. On notera cet épisode où la mère de Buffy se met avec un gars pas commode qui se montre insupportable avec la Buffy en se prenant pour son père au bout de quelques jours (normal, c’est un robot, il n’a aucune nuance). Malgré les preuves que sa fille lui apporte, la mère ne veut rien admettre… jusqu’à ce que le robot ne devienne violent et que cela se règle à coups de poings.

C’est un peu la même chose quand la mère de Buffy (oui, encore) et Giles prennent des bonbons piégés lors d’une fête d’Halloween (ça ne se passe jamais bien pendant Halloween) ce qui les rend complètement ados et immatures : grâce à cet épisode, on mesure bien l’écart entre leur comportement une fois retombés en adolescence, et celui de Buffy, Willow, Xander, qui sont des ados bien plus posés et mature. Être la Tueuse ou côtoyer la Tueuse, ça donne de sacrées responsabilités !)

A l’école, on voit bien à quel point il est difficile pour Buffy d’être entendue, d’être écoutée, d’être comprise. Elle n’a de cesse de faire des efforts, elle sauve la mise à son lycée plusieurs fois (elle sauve la vie de camarades, de profs, mais met aussi hors d’état de nuire certains autres profs ou camarades ayant des projets dangereux, comme le petit Jonathan prêt à commettre une tuerie de masse), mais pourtant, elle reste sans cesse le bouc émissaire. Sur ce point, on est face à une inversion des responsabilités : alors que Buffy les assume, les encadrants scolaires semblent engoncés dans des règles qu’ils respectent aveuglément, sans se poser la question de leur pertinence dans une ville de Sunnydale un peu particulière…

Un peu plus tard dans la série, quand Buffy se met à chercher un job et à bosser, on a aussi une critique acerbe de l’absurdité du monde professionnel, ses jobs à la con, ses tâches répétitives, ses boulots épuisants, ses relations hiérarchiques parfois pourries… Après avoir vu la série, on n’a vraiment pas du tout envie de bosser dans un fast-food, je vous le garantis !

La série permet aussi d’évoquer le thème de la dépression et de l’addiction, et nos héros et héroïnes n’y échappent pas (vous vous rappelez, je vous disais dans l’épisode 1 que les héros de la série étaient loin d’être parfaits).

2/ La dépression, le deuil et l’addiction

Dans Buffy, les personnages principaux sont des héros pas comme les autres, mais aussi, parfois, des antihéros. Ils ont des moments de faiblesse, et c’est aussi pour ça qu’on peut d’autant mieux s’identifier à eux.

Au premier rang d’entre eux, Buffy. Sa mission de Tueuse est une charge très lourde à porter pour une adolescente (on peut l’imaginer), mais on pense aussi à son histoire d’amour impossible (ses histoires d’amour même) avec des vampires, au fait qu’elle rencontre la mort (deux fois), qu’elle subisse une agression sexuelle, à sa difficulté à de mener de front une vie de sœur, d’étudiante, de travailleuse suite au décès soudain de sa mère lors de la saison 5 (qui donne d’ailleurs lieu à un épisode assez incroyable et loin des clichés, un épisode plutôt rempli de moments de vide et d’ennui). Bref, quelle vie de merde elle a, cette Buffy.

Du coup, l’héroïne va parfois très mal, elle connait de vrais moments de solitude dans la série : à un moment donné, elle fugue et pense refaire sa vie loin de sa famille et de ses responsabilités de Tueuse (S3) et tout au long de la saison 6, suite à son retour à la vie (assez traumatisant, je pense que si vous avez vu l’épisode, vous ne pouvez pas l’avoir oublié), elle sera embourbée dans un malaise dépressif assez dur à supporter pour nous, les spectateurs : on aimerait aider, comme ses amis, mais rien n’y fait.

Comme souvent, c’est donc par des comportements déviants et potentiellement autodestructeurs qu’elle fait face : on le voit à travers un épisode qui traite de l’addiction à l’alcool, et dans d’autres, où elle est dans une forme d’addiction à la violence liée à son rôle de Tueuse. On le voit aussi, à un autre moment de la série, à travers la relation d’emprise (et violente) dans laquelle elle est empêtrée avec le vampire Spike. La série n’est pas qu’une série d’aventures, c’est aussi une série sociologique, sur la vie et la mort. Une série plutôt adolescente et drôle au départ, mais qui s’assombrit et se montre souvent dure et mélancolique au fil des saisons.

Buffy n’est pas le seul personnage qui connait l’addiction. Willow, ancienne geek pas vraiment considérée comme une meuf cool mais qui le deviendra à la fac, à la fois en public en étant valorisée pour ses résultats scolaires et en privé parce qu’elle devient une puissante sorcière, va carrément devenir addict à la magie. A un moment donné, confrontée à la mort (de sa petite amie), elle sombre carrément dans la violence et la destruction. Elle aurait même dû finir en prison… C’est fou quand on se remémore les premières saisons et à quel point c’était une ado gentille, respectueuse, timide.

On aurait aussi pu mentionner Faith, dont on sait que le passé douloureux et sa difficulté à être validée en respectant les codes la pousse à trouver une validation paternelle (avec le Maire) via des comportements immoraux. Elle aussi devient une vraie délinquante et a des démêlés avec la justice.
On pense aussi à Xander, qui fuit son mariage en s’imaginant finir comme son père, dépressif et alcoolique (même s’il ne passe pas vraiment aux actes).

Bref, la série est basée parce qu’elle nous présente des personnages complexes. Je vous l’avais dit dans l’épisode 1, c’est une série assez spinoziste ou bourdieusienne, c’est-à-dire assez déterministe, démontrant que le contexte dans lequel on évolue explique une grande partie de nos comportements (et qu’il ne suffit pas de dire « quand on veut on peut » pour s’en sortir). Mais elle est basée aussi parce qu’elle attaque de front plein de marottes de droite et d’extrême droite, l’idée de vengeance personnelle, les fake news, le patriarcat et les formes d’autorité en général. Allez, on continue !

3/ L’idée de Loi du Talion (vengeance personnelle)

Dans la série Buffy, il y a une grosse critique de l’idée de vengeance personnelle, de Loi du Talion : ce n’est pas parce que quelqu’un agresse qu’il faut l’agresser, que quelqu’un tue qu’il faut le tuer : il y a une confiance dans le principe de justice, et d’une justice qui agirait de manière plus honorable que celles et ceux qu’elle condamne (on retrouve ici un argument contre la peine de mort, qui est une sorte de loi du Talion et n’a jamais fait baisser la criminalité dans un pays).

Bien sûr, il arrive que Buffy utilise sa force, mais contre des forts, jamais contre des faibles (sauf s’ils sont dangereux). Et sa force, elle l’utilise de manière défensive, pour arrêter la violence, pour protéger les victimes, pas pour faire mal ou par plaisir (sauf quand elle va mal, voir le point précédent sur l’addiction, mais dans ce cas-là, c’est traité comme un problème par les scénaristes, et pas comme un truc cool).

Dans la S6 par exemple, alors que Warren (un des gars du Trio) a tué plusieurs personnes et notamment Tara, Buffy se retrouve en position de le tuer, et elle subit même la pression d’Anya et Xander pour le faire… Pourtant, elle ne cède pas et l’oblige à se rendre à la police. Elle a beau avoir du pouvoir, elle ne veut pas l’utiliser pour sa vengeance personnelle.

Dans la saison 7, on retrouve la même idée : on a un personnage qui se bat aux côtés de l’héroïne (Robin Wood, proviseur dans son ancien lycée) et qui découvre que Spike (un vampire mais qui se bat du côté des gentils et qui sort avec Buffy à la fin de la série) est celui qui a tué sa mère. Durant toute la saison, il est tiraillé entre sa morale et sa vengeance. Buffy l’aidera (et parfois même l’empêchera) de mettre sa vengeance à exécution en lui expliquant qu’agir comme Spike, c’est se mettre à son niveau (là encore, c’est une critique de la peine de mort et de la loi du Talion).

C’est vraiment un basique des questions philosophiques mais évidemment qu’une société qui tue les tueurs, incendie les maisons de pyromane, viole les violeurs est une société qui ne propose aucun horizon émancipateur à ses membres. En tant que société, il faut répondre aux actes les plus horribles par des actes d’un niveau supérieur, sinon c’est un cercle vicieux dont on ne sort que par le totalitarisme…

Le patriarcat aussi est critiqué dans la série. On l’avait déjà abordé dans notre premier article.

4/ Une évidente critique du patriarcat !

La volonté de Whedon en créant la série, c’est de renverser les codes des séries de vampires ou d’horreur et de faire de la jeune fille blonde à sauver celle qui sauve les autres. Mais il pousse le concept bien plus loin en faisant de Buffy une incarnation de la lutte contre l’oppression patriarcale.

Voir aussi : Féminisme et anarchisme : deux causes main dans la main ? (vidéo)

Le patriarcat est notamment incarné par l’observateur, qui ne se bat pas, ne prend pas de risques, mais utilise la Tueuse comme son instrument pour mener le combat contre les forces occultes. On pourrait aussi voir ça comme une redite de la division entre travailleurs et capitalistes : les premiers prennent les risques, abîment leur corps pour un salaire de merde. Les seconds profitent et s’enrichissent grâce au travail des premiers. Version patriarcale quoi. Mais on a pire que l’observateur, on a le Conseil des Observateurs. Eux sont encore plus loin des combats, et dans la série, ils se permettent de critiquer Giles (l’observateur de Buffy) car ce dernier s’écarte peu à peu de leurs préceptes en laissant Buffy s’émanciper et faire ses propres choix (quel anar, ce Giles). Buffy finira par faire sécession et ne plus accepter aucun ordre de leur part. Zut à la fin, c’est elle qui fait tout le boulot, laissez-la gérer les choses. Vive le collectivisme, en somme !

Voir aussi : L’autogestion peut-elle être révolutionnaire ?

Au-delà de cette hiérarchie détestable et critiquable, on a dans la série pleins de remarques sexistes et machos, notamment dans les premières saisons : chez les adolescents du lycée, de la part du principal Snyder, de la part de Spike, ou plus tard sur le chantier où Xander bosse et où il fait bosser Buffy (bon, ça ne dure pas longtemps, elle est trop efficace et se fait mal voir par les ouvriers). Souvent, Buffy finit par remettre à leur place ces hommes mal à l’aise avec leur masculinité et qui en deviennent toxiques.

On a également une analyse des dérives potentielles des Incels (célibataires involontaires) qui finissent par politiser leur détresse affective en cherchant à transformer le monde à leur avantage. Je fais évidemment référence ici au Trio, qui ira jusqu’à tuer pour avoir de l’argent, du succès et enfin, plaire aux filles, ce qui semble être leur objectif ultime. Je parlais un peu d’eux dans la première partie.

On évoque aussi dans la série les violences masculines, notamment dans le couple : je l’ai déjà évoqué donc je ne reviens pas dessus, mais Spike est un personnage particulièrement violent car doublement tiraillé : déjà, entre sa nature de vampire et son ancienne personnalité humaine, douce et sensible. Ce qui le rend jaloux et agressif avec ses conquêtes, l’inénarrable (j’avais envie de placer ce mot) Drusilla, ou encore Harmony. Et second tiraillement, plus tard dans la série, entre son agressivité vampire et son envie d’être aimé par Buffy et intégré au Scooby gang.

Et dans les premières saisons, Buffy dénoue aussi une histoire de violence conjugale entre deux camarades en couple : le garçon, hyper jaloux, prend une substance bizarre qui le rend hyper agressif et violent. Dans cet épisode d’ailleurs, on soupçonne aussi Oz, le petit ami loup garou de Willow d’avoir commis une agression… Et Buffy se fait aussi agresser par un Angel redevenu méchant, ce qui est redondant dans les premières saisons : d’ailleurs, Angel (le premier amour de Buffy) est condamné à ne pas connaître le bonheur absolu – c’est-à-dire avoir une relation charnelle – avec Buffy s’il veut rester gentil, un châtiment intenable qui condamne un peu leur relation dans l’œuf.
Bref, essaies-tu de nous envoyer un message sur les masculinités toxiques, Whedon ?

Enfin, les figures masculines sont aussi critiquées aussi par leur absence : on pense notamment au père de Buffy qui se sépare de sa mère et ne cherche pas vraiment à s’occuper d’elle à partir du moment où elle commence à « être une ado à problème », c’est-à-dire une Tueuse. Encore une idée qui vise juste, car on sait qu’un nombre non négligeable d’hommes n’assument rien de leur sexualité, surtout pas la paternité…

5/ Et plein d’autres critiques encore : capitalisme, impérialisme, transhumanisme, fake news, tout y passe !

On a déjà dressé des parallèles entre la situation hiérarchique unissant la Tueuse et les observateurs et le capitalisme. Mais plus largement que cela, la série Buffy met les pieds dans le plat pour critiquer le pouvoir politique et économique ! Que ce soit avec la figure du maire, le grand méchant de la saison 3, un élu local auquel on ne peut décemment pas du tout faire confiance. Ou que ce soit à travers les problèmes d’argent que rencontre Buffy et sa sœur dès la saison 6 (ce qui donne lieu à une critique des banques, insensibles et qui ne prêtent qu’aux riches, et aussi à une critique des jobs à la con chers à David Graeber à travers l’expérience de Buffy dans un fast food). En bref, la série ne ménage pas les institutions politiques et le capitalisme.

Mais elle aborde aussi (souvent à l’occasion d’un épisode isolé) d’autres thématiques intéressantes, comme le génocide des Amérindiens. Plus précisément, un épisode évoque les Chumash, une tribu qui a véritablement vécu du côté de la Californie, où se situe la ville de Sunnydale. Dans cet épisode, les personnages s’informent mieux sur la fête de Thanksgiving et se sentent coupables et mal à l’aise sur le bon comportement à adopter. On rappelle que Thanksgiving serait à l’origine une fête puritaine des premiers colons pour remercier Dieu de leur avoir permis de survivre à un hiver rude lors de leurs premiers mois en Amérique. Sauf qu’en réalité, ce sont les Amérindiens, en leur expliquant comment cultiver telle et telle espèce, qui ont aidé les colons à survivre. Et on sait comment les colons les ont remercié… Un épisode intéressant qui ne prend pas vraiment partie et pêche un peu dans sa représentation des Amérindiens (ramenés au sauvage, au surnaturel) mais à l’avantage d’évoquer un événement clé de l’Histoire étatsunienne avec plus de profondeur que bien des divertissements d’hier ou d’aujourd’hui.

La série évoque aussi le transhumanisme à travers différents personnages androïdes comme le petit ami gênant de la mère de Buffy dans un épisode d’une des premières saisons, ou encore Adam sur qui je reviendrai juste après, ou encore le robot à l’effigie de Buffy que ses amis utilisent pour faire croire aux vampires que la Tueuse est toujours en vie dans le début de saison où elle n’est plus.
Adam, antagoniste principal de Buffy dans la saison 4, est central sur ce thème car il est une sorte de cyborg surhumain fabriqué par une cheffe militaire et professeur de psychologie, Maggie Walsh. Il incarne les risques du désir d’immortalité des dirigeants de notre société, un risque qui mène fatalement au désastre… Et une critique de l’Etat car Walsh dirige un bureau de recherche étatique sur les démons, appelé l’Initiative.

Enfin, la série effectue un vrai travail sur le vrai et le faux, et la difficulté de la cohésion sociale dans une société où le mensonge devient la norme. Elle aborde notamment ce sujet au cours de la saison 7, durant laquelle la Force, une entité immatérielle représentant le mal absolu, prend l’apparence de personnes défuntes ou crée des visions pour manipuler différents personnages de la série, comme Spike, mais aussi Buffy et Dawn, Willow, Andrew (l’un des membres du Trio capturé par le Scooby gang), une des potentielles, etc. Et ça fout une pagaille monstre : plus personne ne se fait confiance, on ne sait pas qui est manipulé ou non, qui joue avec quelles règles et dans quel camp…

Bref, vive la science et l’analyse du vrai et du réel pour remettre de l’ordre dans la galaxie des idées et des faite. Vive le savoir, vive les livres de recherche, vive la culture, on en revient à ce que je disais dans mon premier article sur cette série mythique !

Pour finir, venons-en à la critique la plus explicite des autorités !

6/ Une critique explicite de toutes les autorités !

De manière générale, la série Buffy contre les vampires est une série assez anarchisante, critiquant toutes les formes d’autorité traditionnelles et valorisant l’égalité, l’autogestion et l’entraide.

Voir aussi : Faut-il préférer l’égalité ou l’équité ? Et pour un anarchiste ? (vidéo)

On a déjà un peu parlé de la manière dont Buffy va peu à peu s’émanciper de ses figures tutélaires : du proviseur au lycée, mais aussi de son observateur Giles, et surtout du Conseil des observateurs, entité dédiée à la gestion des Tueuses. Même sa relation à sa mère (à partir du moment où celle-ci apprend que sa fille est la Tueuse) ou ses relations de couple lui laissent une grande part d’autonomie. Buffy est une femme moderne, on ne lui dit pas à quelle heure se lever ou se coucher, avec qui sortir ou se lier d’amitié, quoi faire, comment le faire. Elle s’assume, bien qu’elle accepte volontiers les conseils et soit aussi capable, parfois, d’assumer son besoin d’être encadré.

Son groupe d’amis et de proches fonctionne aussi de manière relativement autonome de toutes les institutions figées (ce qui me fait penser à de Lagasnerie, et son bouquin sur l’amitié comme forme de lien social pas assez valorisé dans la société, notamment par rapport au couple ou à la famille).

A l’inverse de ces groupes autonomes et égalitaires qui sont valorisés, la série critique fortement l’obéissance aveugle pour des valeurs d’autorité nulles comme l’armée, la patrie, la religion : cette idée se retrouve à travers certains épisodes que j’ai évoqué, comme celui sur Thanksgiving, ou la saison avec le Maire, mais aussi et surtout à travers deux personnages : le premier, c’est le soldat Riley, qui finit par découvrir le double jeu de Maggie Walsh et de l’armée dans laquelle il officie (l’Initiative) et dont il se détourne par un magistral crochet du droit dans la mâchoire d’un de ses supérieurs hiérarchiques en proclamant : « Je suis un anarchiste » (non non, je n’invente rien, le scénariste s’est lâché là). Une manière de dire qu’obéir sans réfléchir, c’est vraiment le pire.
Un autre personnage clé, c’est Caleb, prêtre proche du mal suprême (Gloria, ce nom n’est pas anodin non plus) car c’est un personnage plein de jugements avec une vision archaïque et dégradante des femmes, notamment. A travers lui, c’est la religion qui en prend un coup.

La hiérarchie et le pouvoir sont aussi critiqués frontalement dans le dénouement de la série (fin de la S7) alors que le combat final se prépare : Buffy, en tant que Tueuse n°1, part du principe qu’elle doit décider de tout, qu’elle a la vie de chacune et chacun entre ses mains. Cela comporte des points positifs, car cela la rend capable de remettre en cause les autorités instituées, notamment partriarcales ou traditionnelles, on l’a déjà évoqué. Mais cela l’amène aussi à faire des erreurs (des potentielles meurent par sa faute) et elle est finalement destituée de son rôle de cheffe par le groupe. S’en suit des scènes de débat collectif qui montrent la difficulté de s’organiser sans leader, mais aussi l’importance de se poser la question de la nécessité d’un leader, et de la fécondité de l’intelligence collective. Seul on va plus vite, ensemble, on va plus loin !

Voir aussi : Qu’est-ce que l’anarchie ? (vidéo)

Au final, Buffy sera rétablie comme meneuse MAIS, car il y a un mais qui a son importance… de son côté, Buffy  aussi s’est questionnée sur son rôle de cheffe, et l’a remis en cause. 
Bilan : Buffy finit par rompre la tradition et fait en sorte (grâce aux pouvoirs de Willow) que toutes les potentielles obtiennent le pouvoir et deviennent ses égales sans que « la mort les sépare », si je puis dire. 
Morale de l’histoire : Quand on est toutes et tous égaux, tous soudés, non pas ensemble par individualisme et respect de la hiérarchie mais par volonté de s’entraider et de faire en commun, on peut arriver à tout ! 

Bilan

La série Buffy critique le monde des adultes, critique les traditions et le conservatisme, le patriarcat, la violence gratuite, des phénomènes souvent injustes, violents, difficiles à comprendre quand on est jeune et plein de désir de justice, d’égalité, de fraternité. 
La série évoque et sensibilise aussi sur la dépression, la mort, la vengeance personnelle, les fake news.

Bref, c’est une série qui, même si elle a mal vieilli au niveau des effets spéciaux, aborde des sujets intemporels et essentiels afin d’accompagner les ados et jeunes adultes sans leur compréhension du monde et dans une dynamique d’ouverture, d’émancipation, de changement. 

Vive le Buffyverse !

Partie 1 : Quelles sont les valeurs défendues par la série ?

J’ai eu plusieurs héros dans ma vie, des réels, comme des joueurs de basket (Jordan) ou de foot (Del Piero), ou des virtuels, comme Batman, ce vieux héros de droite (mais ne jugez pas, on l’a tous aimé à l’époque sur FR3) ou encore Vegeta et Goku. Et en y réfléchissant, mon autre héros de jeunesse est une héroïne, et tu la connais surement : c’est Buffy, la tueuse de vampires !

Si tu n’as jamais eu la curiosité de mater cette série à l’époque, ou que tu es plus jeune que moi et que l’aspect un peu vieillot de la série te démotive pour te laisser tenter aujourd’hui, laisse-moi t’encourager à dépasser tes premières impressions et à lui donner une chance. Surtout si tu as un tout petit peu de conscience politique et que des valeurs comme l’égalité, la fraternité (ou plutôt la sororité), le courage, le don de soi, sont en toi !

Par contre, spoiler alert : si tu ne connais pas encore le Buffyverse, attention, je vais révéler ici certaines intrigues de la série (complètement dans le désordre, mais file mater les 7 saisons en vitesse quand même !)

On va faire deux articles sur l’incroyable série Buffy (sans mentir, à mesure que je prends de l’âge, c’est devenu une de mes œuvres de fiction préférée, tout l’inverse de Batman).
Le premier – celui-ci donc – s’intéressera surtout aux valeurs défendues par la série, explicitement ou en sous-texte (c’est toujours plus efficace quand le message n’est pas évident). Le second traitera surtout des différentes critiques que la série adresse à notre société. Prêt ? Let’s go !

Evidemment, comme tu l’as compris au vu du titre, je vais commencer par l’aspect féministe de la série

1/ Une série qui renverse les valeurs et clichés sur les femmes

Disclaimer : je fais cet article malgré les révélations faites par plusieurs actrices sur le comportement du réalisateur Joss Whedon sur le tournage, que j’ai découvertes lors de l’écriture de cet article, et qui ne sont pas à minimiser ou à passer sous silence : je te mets des liens si tu veux en savoir plus.

Pourquoi peut-on parler de série féministe ?
Buffy est l’héroïne d’une série d’action, elle est extrêmement forte et passe son temps à ridiculiser les sportifs de son lycée (alors qu’elle est petite et blonde, ce qui était le cliché de la jeune femme en détresse dans les films d’action ou d’horreur des années 90). On voit ici un renversement des codes/clichés du cinéma et ça a été fait de manière volontaire par les créateurs de la série. Il y a quelque chose de stylé (et audacieux) à renverser les codes à une époque où cela ne se faisait presque pas (aujourd’hui, c’est devenu beaucoup moins subversif de le faire). Le but explicite, était de créer de nouvelles représentations féminines pour tout une génération d’adolescent.e.s, afin de rendre les mecs moins virilo-macho-cons et les filles plus badass-fortes-stylées. Sans toutefois en faire des féministes bourgeoises capitalo-compatibles.

Sur le rôle-clé de Buffy dans la promotion d’un féminisme basé dans les séries, je vous partage un article de recherche : https://www.cairn.info/revue-multitudes-2020-2-page-251.htm

D’ailleurs, la manière dont le rôle (féminin) de la Tueuse est à la fois dominant physiquement mais dominé symboliquement par le rôle de l’Observateur n’est pas anodin, c’est réel (même les femmes qui répondent aux codes de la société en s’émancipant économiquement par exemple peuvent continuer à être dominées parce que femmes) : heureusement, vers la fin de la série, Buffy va renverser aussi cette domination-là et s’émanciper de cette tutelle tout en continuant sa mission : quelle anarchiste celle-là !

Voir aussi : Féminisme et anarchisme : deux causes main dans la main ? (vidéo)

Dans Buffy, de plus, il n’y a pas une seule héroïne isolée avec plein d’hommes autour d’elle, non non : Buffy a une meilleure amie, Willow, qui joue au fil des saisons un rôle de plus en plus important, même majeur (j’y reviens juste après). La mère et surtout la sœur de Buffy ont elles aussi un rôle récurrent bien que moins important, et finalement, on peut aussi mentionner d’autres persos comme Cordelia, Anya, Tara, ou citer toutes les tueuses qu’on voit défiler au cours des saisons, Kendra, Faith et toutes les nouvelles dans la dernière saison… En fait, il y a plus de femmes que d’hommes dans cette série d’action, c’est quand même assez rare pour être souligné !

Même du côté des méchants, il n’y a pas que des hommes : il y a aussi des femmes puissantes du côté du mal, comme Drusilla, Gloria ou Harmony… (et on peut aussi citer Faith ou Willow qui font un petit tour du côté des forces du mal).
Bref, dans Buffy, le Test de Bechdel, du nom de l’artiste Alison Bechdel est réussi haut la main !  Quoi vous ne connaissez pas ce test ? C’est simple, si une série, un film ou une bd met en scène au moins :
1/ deux personnages féminins explicitement nommés,
2/ que ces deux personnages ont une scène où elles se parlent et
3/ qu’elles se parlent sans évoquer leur relation à des hommes, le test de Bechdel est réussi. Mais la majorité des œuvres échouent au test, ce qui montre à quel point la plupart sont sexistes et misogynes, encore aujourd’hui, reléguant les femmes à des rôles de plantes ou de lampadaire.  
Dans les séries des années 90 (on met Charmed à part) c’était encore pire ! Mais pas Buffy. Dans cette série, les femmes ne sont pas des faire-valoir ni des trophées, encore moins des plantes, bien au contraire.

Autre point important : les sorcières sont bien vues dans la série, contrairement à leur traitement dans l’Histoire réelle et aux légendes qu’on raconte sur elles depuis belle lurette (en Occident en tout cas), légendes qui font que ces femmes puissantes sont ridiculisées, violentées, tuées bref, vues comme moches et méchantes. Et ce n’est pas pour rien : dans une société patriarcale, il ne faut surtout pas laisser émerger des figures à la fois féminines et puissantes. Sur le sujet, allez lire Sorcières, de Mona Chollet, of course.  Dans Buffy, avec Willow, on a un exemple de femme forte, puissante (c’est même l’humaine la plus forte du monde, sans aucun doute, ou alors j’oublie quelque chose, n’hésitez pas à me le dire en com si c’est le cas). C’est fou hein, comme les femmes puissantes font peur !

Empuissanter les femmes de la série (et les spectatrices) n’est pas la seule vertu de la série. Elle le fait aussi sur le thème de l’homosexualité.

2/ Une série qui traite l’homosexualité… normalement

Ce qui est vraiment novateur dans la série, c’est que l’homosexualité n’est pas traitée comme une question à part entière, question sur laquelle il faut en faire des tonnes (c’est trop souvent le cas). Néanmoins, la réaction un peu en décalage de Buffy quand Willow lui annonce qu’elle est gay est assez criante de vérité, et ça fait plaisir que la réaction des personnages ne soient pas « parfaite » sur le sujet (notamment dans les années 90). Après, il y a une légende comme quoi il y aurait dans Buffy le premier baiser lesbien des séries ? Je n’ai pas creusé la question, pareil, à vos claviers si vous en savez plus.

Bref, dans Buffy, les relations non hétéro existent comme dans la vraie vie, tout simplement, on n’en fait pas des tonnes, mais on ne fait pas non plus comme si c’était bien vu et accepté par tout le monde, et c’est plutôt cool ! Ni nier l’existence de ce fait social, ni nier les oppositions à l’existence ce fait social. C’est matérialiste, c’est réaliste, même si c’est traité dans une œuvre par ailleurs de style fantastique et pas réaliste !

De manière générale d’ailleurs, l’amour dans Buffy est traité de manière réaliste, pas uniforme : il y a de grandes et belles histoires bien traitées, mais elles ne sont pas linéaires (elles connaissent des hauts et des bas), elles sont variées : elles sont hétéros, homos, mixtes (entre humains et démons ou vampires par exemple), elles sont traitées chez les gentils mais aussi chez les méchants (qui n’a pas été captivé par l’histoire entre Spike et Dru, qui ?). Il y a des séparations, des moments de violence. La série est matérialiste, et pas idéaliste, même sur ce thème vu et revu et donc toujours délicat à traiter.

Comme dans beaucoup d’œuvres fantastiques, les personnages imaginaires (vampires, loups garous, monstres, etc.) incarnent la différence. Mais ici, même les humains incarnent la différence : une différence parfois moquée mais qui est finalement toujours traitée comme une autre forme de normalité. Je veux dire par là que même quand quelqu’un se moque de quelqu’un d’autre dans la série, cette moquerie n’est pas acceptée et acceptable car ce sont souvent les héroïnes et héros qui la subissent, donc le spectateur est placé de leur côté, du côté des geeks et des freaks, et il a tendance à les soutenir. Ce qui a certainement participé à aider beaucoup d’ados à se sentir mieux dans leur peau !

3/ La différence (voire la marge) est valorisée plutôt que moquée

Oz est haut potentiel intellectuel et un peu bizarre (il ne parle presque pas, exprime difficilement ses sentiments) ; Willow l’est certainement aussi, et en plus, elle mal dans son corps d’ado, se cherche vestimentairement, elle est très geek, très fan de l’école (c’est peut-être l’une des premières séries qui met en avant la culture geek et la valorise, ce qui est assez banal aujourd’hui) ; Giles est un véritable rat de bibliothèque (ce n’est pas considéré comme cool au lycée d’être fourré au CDI, si ?) et on se moque gentiment de lui pour son accent/ses expression anglaises ; Cordelia est vue comme la nunuche de service, mais en vérité, son personnage évolue et est traité avec un peu plus d’épaisseur au fur et à mesure (on se rend compte qu’elle n’est pas si cruche, qu’elle a certaines valeurs et beaucoup de courage).

On continue : Buffy et Xander (Alex en VF) ne sont pas très scolaires au lycée, ils ont de mauvaises notes, oublient qu’il y a des contrôles, font le mur, ont peur pour leur avenir… Mais ils n’en sont pas fiers pour autant, on sent qu’ils s’inquiètent, qu’ils se posent des questions sur l’avenir, ce n’est pas une position cool d’être un peu rebelles. En fait, ce sujet est particulièrement bien traité car les réalisateurs arrivent à montrer l’ambivalence de la place de l’école chez les adolescents (lieu d’ennui, de violences, de dominations réelles et symboliques, mais aussi lieu d’amitié, de solidarité, et enfin un lieu censé ouvrir aux études supérieures et au monde du travail mais qui n’en donne pas forcément les moyens à tous, bref, qui a du mal à « parler » aux ados).

Allons plus loin sur le personnage de Xander. Il vient d’un milieu où l’enfant n’est pas bien considéré, son père boit trop et ne démontre pas de sentiments à son égard. C’est intéressant car une fois adulte, Xander est en couple avec Anya (un démon, soit dit en passant) et on se rend compte que l’enfance qu’il a connue a laissé des traces, il a peur de reproduire le schéma de ses parents, d’être un mari alcoolique et paresseux, ce qui mettra en péril sa relation. En fait, Xander est un perso très intéressant car il est celui qui incarne le mieux la vision sociologique (même bourdieusienne) contenue dans Buffy. A travers lui, on voit un continuum entre des problématiques familiales, des difficultés d’intégration à l’école mais aussi des difficultés scolaires puis professionnelles… Il rate son bac, il passe rapidement au monde pro (barman, ouvrier), il a des difficultés à trouver sa place, entre ses amis qui continuent leurs études et le monde du travail. Il y a un vrai déterminisme dans sa trajectoire. Si Xander a parfois du mal à assumer sa trajectoire professionnelle aux yeux des autres, on sent dans l’écriture de son personnage que les auteurs eux, ne le jugent pas du fait de sa trajectoire, parce qu’il travaille sur les chantiers, parce qu’il a un métier manuel et pas intellectuel. D’ailleurs, il finit par plutôt bien s’en sortir !

Tara, elle, est une fille ultra timide, qui semble avoir été bègue et a des difficultés d’intégration.
On comprend que comme pour Xander, elle vient d’une famille difficile, en l’occurrence qui opère une coercition sur les femmes car ce sont des sorcières et qu’elles en tirent plus de pouvoir que les hommes, qui les maltraitent en retour. Tara va peu à peu gagner en assurance au sein du Scooby-gang (le nom du groupe d’amis que l’on suit) car les gens y sont globalement bienveillants, doux et à l’écoute, même si au début, elle a du mal à trouver sa place (encore une fois, rien n’est tout blanc ou noir dans Buffy, c’est ça qui rend la série si réaliste et attachante).

Dawn a le rôle de l’ado dans tous ses excès, colérique, boudeuse, voleuse. Mais elle aussi est un personnage très sensible et très intelligent, à considérer avec attention derrière ses crises. On voit bien que les scénaristes nous envoient un message à travers elle en montrant parfois des adultes autoritaires, dépassés, et au contraire, des adolescents bien plus conscients, sensibles et fins qu’il n’y parait derrière leurs excès. 

Enfin, comment ne pas mentionner Anya et son incapacité à tourner sa langue dans sa bouche avant de parler. Et son amour de l’argent nous fait bien rire ! Elle aussi, en négatif, constitue une critique du côté politiquement correct, policé, voire hypocrite de nos sociétés, mais aussi de son capitalisme absurde.

Voir aussi : Le mutuellisme pour en finir avec le capitalisme et l’Etat (vidéo)

En parlant d’Anya, même la limite entre « méchants » et « gentils n’est pas traitée dans une dichotomie un peu superficielle. Tiens d’ailleurs, ça ne vous rappelle pas DBZ et surtout le personnage de Goku, qui ramène vers le Bien la plupart de ses anciens adversaires : j’en ai fait une vidéo si vous aimez aussi DBZ.

4/ Un monde qui n’est pas blanc ou noir

Dans Buffy, certains vampires ne sont pas seulement méchants et vont même jusqu’à combattre leur propre espèce : on peut évidemment citer Angel et Spike, deux vampires avec lesquels Buffy va vivre une relation amoureuse.

Mais on a d’autres personnages traités comme des « monstres » dans les séries d’horreur classiques, mais pas dans Buffy (là encore, on a un renversement des codes traditionnels) :
– Oz est un loup garou qui se rend compte de sa malédiction et s’empêche de tuer les soirs de pleine lune en s’enfermant dans une cage.  
– Anya est un ancien démon vengeur, qui perd ses pouvoirs puis pourrait les récupérer mais y renonce car elle tombe amoureuse d’un humain, le bon Xander.

Et à l’inverse, les humains ne sont pas tous gentils :
– On peut citer Ethan, ancien ami de Giles qui n’a de cesse de tenter de déclencher la fin du monde.
– On peut penser au Trio (composé de trois véritables loosers, j’en reparlerai dans le deuxième article). Le trio est intéressant car ce sont des pauvres types (pas attirants, pas populaires, nerds, etc. qui cherchent à se venger du monde et ce faisant, en deviennent extrêmement méchants, jusqu’à tuer de sang froid (Warren qui tue son ex et Tara et blesse Buffy plusieurs fois, Andrew qui tue Jonathan)…  Est-ce là une critique des Incels avant l’heure ? Oui oui, à 100% !
– On a aussi Willow, gentille parmi toutes, qui quand elle pète un câble et veut se venger, est prête à détruire la planète (pareil, j’en reparlerai)…

Et le racisme alors ?

5/ Un petit bémol : les minorités ethniques peu représentées

Bon, si on devait adresser un bémol à la série, ce serait celui-là, qui est quand même beaucoup lié à l’époque où la série est sortie (il y a près de 25 ans, je le rappelle) : il y a peu de représentations de minorités ethniques au sein des personnages récurrents dans les premières saisons : on peut noter une tueuse, Kendra (S2 et 3) et Mr Trick, l’adjoint du maire Wilkins, un vampire (S3)… Ah, et une sorte de relation à distance de Giles dont j’ai oublié le prénom (si vous l’avez, à vous les coms).

Surtout, le racisme n’est jamais une question dans la série. Sauf que c’en est encore une dans nos sociétés, on le voit dès qu’on parle de police, de justice, d’accès à l’emploi ou à l’immobilier. Il aurait été utile que la série mette en scène de nombreux personnages de toutes les couleurs, nationalités et religions, et ce n’est pas le cas, loin de là. Disons que la série participe mieux à combattre le manque de représentation des femmes et les clichés sur l’homosexualité que les problèmes de représentation et les clichés sur les minorités ethniques, c’est un fait. Peut-on dire que cela est traité à travers la différence humains VS. démons ? Peut-être…

Allez, on va quand même donner un bon point à la série sur ce sujet : Il y a proportionnellement un peu plus de personnages non blancs dans la dernière saison, entre le nouveau proviseur Robin Wood et certaines potentielles noires, asiatiques ou latino-américaines…

Dernier point :

6/ L’Art et la culture sont investis et mis en valeur ! 

Si on pense aux activités principales des héros de la série, surtout durant les premières saisons au lycée, on les voit faire quoi ? Aller à la bibliothèque, faire des recherches (leurs propres recherches… lol, ce n’est pas une série complotiste), lire et lire encore, apprendre à se servir d’un ordinateur (je le rappelle, on est sur une série des années 90, donc on n’est pas dans un rejet de la modernité, même si Giles a du mal au début), aller boire des coups et écouter de la zic au Bronze, se trouver le soir chez les uns ou les autres pour regarder des films (parfois en noir et blanc) et des dessins animés à la télé… On note aussi de plus en plus de référence à la pop culture vers la fin de la série, via le Trio mais aussi Xander… 

Pourquoi c’est un fait non négligeable ? Bon, c’est sûr que nos héroines et héros se battent contre les forces du mal, assez régulièrement : ça reste une série d’action en bonne et due forme. Mais l’art, la culture, la connaissance sont très valorisées dans la série et ça, c’est assez rare pour être souligné : surtout après avoir dit que notre Scooby Gang (Buffy et ses amis) ne sont pas forcément tous les plus scolaires du monde (on note quand même une évolution sur le sujet, car Buffy passe d’élève très moyenne à bonne élève au début de la fac et on sent que cela l’épanouit). 

Et on l’a déjà dit mais Giles, Willow, Oz incarnent tous des figures qui dans d’autres séries auraient plutôt été des personnages secondaires, un peu moqués car trop intellos et pas assez intéressants.

Bilan 

Qui que l’on soit, quelle que soit sa classe sociale, ses goûts et sa personnalité, et même quelle que soit son identité, on peut se sentir valorisé en regardant Buffy et ses amis (sauf quand on est un homme blanc viriliste et conservateur, peut-être… ou un démon sans âme !). Et tout ça sans que cela soit revendiqué à chaque instant, on reste sur une série d’action, d’humour, légère et divertissante. Vraiment, si avec tout ce que je viens de vous dire là, vous ne vous dites pas que la série à l’air cool, ou ça ne vous donne pas envie de vous refaire tous les épisodes… Je ne sais pas quoi faire pour vous (je rigole bien sûr).

Dans notre deuxième épisode, on changera de perspectives, et on parlera des différentes critiques que la série adresse à notre société ! Allez, abonne-toi pour ne pas rater l’épisode 2 et partage l’épisode 1 pour convaincre tout le monde de se refaire les Buffy ! Bisous !  

Sources : voir la description sur YouTube (et abonnez-vous !)

Toutes les personnes qui ont entre 10 et 40 ans aujourd’hui connaissent Dragon Ball Z, formidable manga dans lequel le Bien et le Mal s’affrontent au milieu d’un univers fantastique, entre tradition et modernité (phrase cliché pour décrire le Japon, mais qui fonctionne bien aussi, pour ce manga mythique). Mais qui s’est déjà demandé si l’œuvre monumentale signée Akira Toriyama n’était pas, en sous-texte, une formidable critique politique de notre monde ?

Alors certes, dans DBZ, les gars (et trop peu de gos, #RôlesGenrés) passent leur temps sur les champs de bataille, mais il faut voir cela comme une métaphore d’un combat idéologique entre les vrais, défenseurs de valeurs anarchistes, marxistes, mais aussi écologistes (il faut sauver la Terre, ses arbres, ses ruisseaux et ses oiseaux, souvenez-vous de  la tirade de C16 !) et les faux, qui ne veulent que dominer, dominer, dominer, quitte à détruire, détruire, détruire.

Cela peut se vérifier à tous les niveaux dans DBZ, et c’est ce que je vais tenter de vous démontrer.

Du côté des gentils, un monde de Bisounours mi-écolo mi-anarchiste !

Commençons par Son Goku (ou San Goku en français), le héros de la saga. Déjà, le mec est étranger (#RNenPLS), il vient carrément d’une autre planète, et il a la méchante tendance à se transformer en gorille géant à chaque pleine lune. Cela lui pose de vrais problèmes d’intégration. Eh oui, Goku subi une sorte de racisme culturel, comme à chaque fois qu’on lui demande pourquoi il a une queue, ou qu’on lui fait remarquer qu’il est bizarre, parce qu’il a une coupe de cheveux improbable, qu’il mange trop, qu’il ne sait pas se comporter en public, etc.

Malgré tout, Son Goku grandit, et se fait plein d’amis, tous plus différents les uns des autres, car le mec est inclusif au possible, la preuve avec tous les amis – différents, voire étranges – qu’il se fait au cours de sa vie :

Bulma incarne une critique de la socialisation genrée qui domine dans nos sociétés actuelles. En effet, on apprend aux filles à être filles dès le plus jeune âge. Et parmi ces différences d’éducation liées au sexe de l’enfant, on retrouve l’orientation scolaire. Les filles sont censées être meilleures dans les matières littéraires, les garçons dans les matières scientifiques. Et bah non, Bulma, elle, est un génie scientifique – elle devait avoir 20/20 en maths, en techno et en physique – et à la suite de son père, a bâti un empire industriel à la Elon Musk, baptisé Capsule Corporation. Et en plus, elle est aventurière et sportive, courageuse… Bref, une femme avec de sacrés attributs dits « masculins ». La preuve qu’avoir un sexe qui pendouille ne détermine pas la capacité à être fort, courageux, intelligent, de la même manière que ne pas avoir ce sexe qui pendouille ne rend pas nécessairement empathique, doux, soigneux, à l’écoute… 

Mais Goku se fait également d’autres amis surprenants au cours de son aventure, et tous incarnent une cause ou une certaine vision du vivre-ensemble :
– Krillin (Kuririn) est nain et ne possède pas de nez, c’est dire à quel point il était censé mal partir dans la vie. Pire, sa femme C-18 est un cyborg, ou plutôt une sorte d’humaine cybernetisée (et qui sait se battre, comme un autre bon coup de poing aux stéréotypes). Et entre eux deux, ça fonctionne, ils ont même une fille ensemble.
– Ten Shin Han possède un troisième oeil (why ?) et entretient une relation très tendancieuse avec un petit camarade fantomatique au physique de lâche nommé Chaozu : mais on ne juge pas. D’ailleurs, personne ne les juge dans l’univers de DBZ. Ils sont bien ensemble, et on les laisse tranquilles.
– Piccolo (ou Petit Coeur, en VF), lui, vient d’une autre planète (Namek) où tous les habitants sont asexués : il n’y a pas de binarité, et la reproduction se fait en pondant des oeufs par la bouche. Ça c’est moderne ! De plus, à la base, c’est un méchant, qui rêve de tuer Goku. Mais ce dernier a un coeur tellement grand qu’il finit par le ramener dans le côté lumineux de la Force.
– Vegeta est un être orgueilleux, jaloux, misanthrope et pourtant, Goku arrive à l’intégrer lui aussi (modestement) à son gang de gentils bras cassés héros. Vegeta va carrément se caser avec Bulma, notre génie, avec laquelle il aura deux enfants, et apprendra peu à peu à se décoincer et à apprécier les petits plaisirs de la vie. Tout en se battant pour défendre la jolie nature de la Terre, ainsi que ses habitants. 

Goku est aussi ami avec un ex-combattant en surpoids (Yajirobe), un chat (Maître Karine), un cochon (Oolong), un vieillard pervers (Tortue Géniale/ Kame Sennin), bref, avec tout le monde et n’importe qui, même les plus moches et méchants en apparence. Il n’y a pas d’a priori chez lui, et c’est ce qui fait sa force. Et cette capacité à fédérer, à rassembler, elle ressemble au socialisme (historique hein, la base de l’anarchisme et du communisme), n’est-ce pas ? Goku ne demande rien à personne, il convainc, et il accueille, toujours à bras ouvert : « De chacun selon ses capacités, à chacun selon ses besoins », pourrait être sa devise. 

D’ailleurs, quelle attaque est plus collectiviste que le Genki Dama, que Goku apprend auprès de Kaio-Shin ? C’est en collectant l’énergie de tous les êtres humains, des animaux et des plantes que notre super-héros forme une boule d’énergie capable de tuer n’importe qui.
C’est grâce à un Genki Dama géant que Goku parvient à terrasser le tout dernier ennemi de la saga, Petit Buu. C’est donc grâce aux efforts conjugués de tous les Terriens, ensemble, mains (en l’air) dans la main, que le Bien survit au Mal, que la planète Terre est sauvegardée, que la vie peut suivre son cours… Non, vraiment, vous ne voyez pas l’idée du collectivisme derrière cette métaphore guerrière ? 

Seul bémol sociologique dans Dragon Ball Z : Chichi, la femme de Goku, est l’archétype de la femme au foyer, qui s’occupe de l’éducation des enfants, fait la cuisine, se plaint que son mari ne travaille pas… Alors qu’elle était une vraie (com)battante quand elle a rencontré son flemmard de mari ! Où est passé ton progressisme humaniste sur ce coup, Toriyama ?

Eh oui, car Son Goku vit sa vie comme il l’entend, avec une innocence inouïe, et ne se soucie pas vraiment des conséquences de ses actes. Se balader, dormir, manger, pêcher, sont ses activités principales quand il n’est pas sur les champs de bataille. Pas du tout consommateur, à l’écart de la vie urbaine (comme la plupart de ses amis), il vit une existence simple et rythmée par la nature. En fait, Goku est une sorte d’anarchiste écologiste (et un peu individualiste), un transcendantaliste à la Thoreau ou Emerson ! Mais pas uniquement : sa capacité à passer du comportement le plus individuel à la dévotion la plus totale pour le bien de tous fait de lui bien plus qu’un anarchiste individualiste. Elisée Reclus, célèbre géographe anarchiste français (lui aussi écologiste avant l’heure), ne disait-il pas que l’anarchie était la plus haute expression de l’ordre ? Là encore, une phrase qui résonne dans l’épopée de Son Goku, dans sa volonté que la paix règne sur le monde. 

Voir aussi : Qu’est-ce que l’anarchisme ? (vidéo)

On pourrait aussi le voir comme l’antithèse des valeurs de droite : le travail ? Pas pour lui. La famille, la patrie ? Il n’en a pas grand-chose à faire, vu comment il s’occupe (à peine) de sa famille, et vu qu’il tue tout ce qui lui reste de liens du sang (Raditz et les Saiyans en général) pour défendre la Terre (des étrangers pour lui). La force ? Oui, bien sûr, mais pas pour dominer, plutôt pour protéger, pour la paix, en somme. Il n’y a qu’à voir comme son fils, San Gohan rejette la recherche effrénée de puissance, et ne veut se servir de ses capacités que pour protéger, et défendre la Nature… 

Et les méchants, on en parle ?

Du côté des méchants, trois big boss qui symbolisent trois grand maux ! 

Freeza, ou la critique de la toute puissance dynastique et colonisatrice

Freeza (ou Freezer, en français) est un extraterrestre (comme Son Goku, du reste) qui tyrannise l’univers. En effet, sa mission (ou sa passion ?) est de coloniser les différentes planètes, d’en tuer tous les habitants (ou de les recruter dans son armée s’ils sont assez puissants) et de les revendre au plus offrant. On se demande bien à quoi lui sert sa « richesse », d’ailleurs, vu qu’il s’accapare tout, et domine tout le(s) monde(s) sans partage.

Son personnage semble tout à fait emblématique de la période de la colonisation. Freeza, en véritable colon, s’approprie ce qui ne lui appartient pas par la force, et soumet chaque planète, une à une, à son ambition tyrannique. Seule l’intervention salvatrice de Son Goku et ses camarades met fin à son règne. D’ailleurs, le terme de « règne » n’est pas choisi anodinement car on apprend par la suite (alors qu’on le croyait mort) que Freezer est un Prince, son père répondant au nom de Roi Cold. Ces étranges personnages viennent de la planète Cold, et ont pour ambition démesurée de conquérir et dominer l’univers, pour des raisons économiques, mais aussi de prestige, de puissance, pour montrer la supériorité de leur dynastie à tous. Et quel pouvoir plus injuste que le pouvoir dynastique, hérité par le sang, autoritaire et arbitraire.

Ceci ne peut nous empêcher de penser à une critique du fonctionnement de nos monarchies du Moyen-Âge, et de leur propension à la conquête. Par extension, on pense évidemment aux grandes découvertes, mais aussi à la violence de l’éradication des peuples autochtones, et au commerce triangulaire et à l’esclavage. Et bien sûr, l’époque coloniale n’est pas en reste, et elle a elle aussi amené son lot de massacres, d’accaparement de richesses, de domination physique, politique, culturelle, économique… 

Voir aussi : Aux origines de la Commune de Paris (vidéo)

Freeza est définitivement une formidable et horrible métaphore de tout cela, et le fait qu’il ait été extrêmement difficile à mater (c’est l’un des rares méchants qui revient plusieurs fois dans la saga) en dit long . Très long… 

Cell, ou la critique de l’être supérieur (en mode nazi)

Cell. Comme son nom l’indique, Cell est une combinaison de cellules savamment dosée, créée à partir des cellules de tous les meilleurs guerriers peuplant la Planète Terre (Son Goku, Vegeta, Piccolo, etc.). Son inventeur, le Dr Gero, est un scientifique fou, survivant de l’annihilation de l’Armée du Ruban Rouge par Son Goku, encore enfant à l’époque. Désireux de se venger de son ennemi juré, il a fabriqué différents cyborgs (de C1 à C20), toujours plus aboutis et puissants, afin de réaliser son vœu le plus cher.
Note : L’Armée du Ruban Rouge est une critique non voilée à l’Armée Rouge de l’ex-Union Soviétique, émanation violente d’un état hiérarchisé et donc dévoyant la pensée communiste (malgré la manière dont il se définissait et dont il était défini). En réalité, dès que les Bolchéviques se sont imposés sur les soviets (en quelques mois), l’utopie communiste était morte en Russie, et c’est de fait un capitalisme d’Etat qui y a régné durant 70 ans. 

Mais Cell est véritablement sa création la plus absolue. Ayant des cellules cyborg, il a une énergie inépuisable. Ayant du sang Saiyen, il progresse de combat en combat. Ayant du sang Namek, il sait régénérer son corps. Mais il est également capable de se métamorphoser (deux fois) afin d’atteindre sa dernière transformation, l’ultime, la totale. Afin de réussir ces deux métamorphoses, il doit absorber d’autres créations du Docteur, C-17 et C-18.

Le corps parfait, cela ne vous rappelle-t-il pas quelque chose ? Les théories eugénistes, nées au XVIIème siècle et très pratiques pour justifier l’esclavagisme et le colonialisme (et leurs massacres et génocides), ont abouti au grand traumatisme du monde occidental au XXème siècle : la Seconde Guerre mondiale et le Génocide des Juifs et des Tziganes, mais aussi au massacre des personnes malades ou handicapées, à celui des communistes, des syndicalistes et des résistants en général.

On peut clairement établir un parallèle entre ce Dr Gero, obnubilé par la vengeance, le désir de puissance, et la volonté de créer l’armée parfaite, le corps parfait, et la théorie nazie, ou encore les horreurs perpétrées par un Mengele, médecin allemand du IIIème Reich ayant effectué de nombreuses expériences génétiques sur des détenus en camp afin notamment de prouver la supériorité de la race aryenne, sans aucune compassion envers ces personnes qu’il pouvait tout à fait décider de tuer sur un coup de tête, avant ou après expérimentation…

Cell est beau, séduisant, c’est un méchant charismatique qu’on adore détester, et c’est cela qui le rend d’autant plus flippant. Les théories eugénistes, virilistes, nationalistes, flattent l’ego, boursouflent les sentiments de fierté, mais c’est toujours au détriment, à la fois de son individualité d’être à part entière (C-17 et C-18 peuvent en témoigner), mais aussi de son humanité, qui fait que nous sommes tous frères, peu importe le pays, le continent, (la planète), la religion, la couleur de peau… Piccolo peut en témoigner, lui qui vient d’ailleurs et qui est Dieu sur Terre ! 

Buu, ou la critique de l’hyperconsommation et de l’hypercapitalisme

Buu (ou Boo, voire Booboo en VF) est un mignon méchant qui ressemble plus à un bébé extraterrestre à l’allure de Chewing-gum qu’à un roi colonisateur et sanguinaire ou à une créature nazie. Et pourtant, lui aussi fait possiblement référence à un système injuste et violent qui empêche les individus de vivre convenablement. Ce système injuste, c’est le capitalisme et plus précisément, la société de consommation et ses excès.
Note : il est vrai que le véritable méchant dans le troisième grand volet de DBZ n’est pas Buu mais Majin Buu, un petit guerrier entièrement et parfaitement maléfique, qui ne correspondra pas au portrait que je vais dresser ici. 
En effet, Buu (le bébé balourd en forme de boule de gum) est une version adoucie de Majiin Buu, adoucie à cause de son assimilation lors d’un combat passé du Grand Kaio Shin, qui va prêter à Buu son caractère enfantin, gourmand, mais aussi capricieux.

Buu est le méchant individualiste par excellence. Enfant immature, il est censé obéir à son maître (Babidi, auquel même le démon des enfers Dabra obéit), mais n’en fait qu’à sa tête. Il a tout le temps faim, ne pense qu’à s’amuser, et l’un de ses jeux favoris consiste à détruire des villes et à transformer les humains en sucreries pour s’empiffrer. 

Lire aussi : Et dans l’esprit une prison nommée société de consommation 

Dominer et faire souffrir pour son unique profit/plaisir. Considérer l’autre comme sa chose. Consommer consommer consommer. Nous sommes à l’ère du post-capitalisme, avec Buu. Ce dernier est dans la jouissance immédiate, le plaisir, sans se soucier des conséquences. Il est puissant, donc ne supporte pas la contradiction. Mais à du mal à résister au chantage de son maître (jusqu’à ce qu’il le tue).

Et l’autre méchant de l’époque Buu n’est autre que Vegeta, qui lui aussi succombe aux sirènes de l’individualisme pour redevenir un gredin sans foi ni loi. En creux, on constate là encore le parti pris de l’auteur : la solution ne peut être que collective, l’individualisme exacerbé ne nous sauvera pas (comme une critique du libéralisme, de la main invisible, qui est censé nous apporter le bonheur mais qui détruit notre environnement à vitesse grand V)…
Comme toujours, c’est grâce au travail d’équipe, à l’association comme le dirait Reclus (fusions, Genkidama) que Majin Buu sera vaincu et que la paix sera restaurée !

Clairement, la métaphore fonctionne un peu moins efficacement avec le personnage de Buu… Mais n’est-pas aussi pour cette raison que c’est l’arc qui semble le moins cohérent, le moins réussi, le moins convaincant ?

— 

Maintenant que vous connaissez le petit secret d’Akira Toriyama, si vous aimez la saga, San Goku, et ses amis, il ne vous reste plus qu’à plonger dans des écrits anarchistes, marxistes ou d’écologie radicale : je vous assure que le combat en vaut la chandelle !

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La scène d’ouverture est déjà lourde d’enseignement. On y voit un père de famille, à table, expliquer à ses enfants comment se comporter lors d’un contrôle policier. Pourtant quelque chose cloche. Déjà parce que ses enfants sont tout minots. Aussi parce que le père semble partir du principe que ses enfants seront nécessairement en danger, considérés comme criminels et dangereux, face aux forces de l’ordre. Et c’est pourquoi il leur intime, avec force conviction, de se soumettre sans (se) poser de questions, que la cause de l’arrestation soit juste ou non, que la situation dans son ensemble soit juste ou non, que le comportement des policiers soit juste ou non. La famille est américaine, afro-américaine, et cette banalisation d’un futur scénario réaliste et probable, alors qu’il devrait être parfaitement rare et anormal, met mal à l’aise.

Evidemment, ce qui devait arriver finit par arriver, et un scénario catastrophe a lieu, mettant en scène un jeune, Afro-américain, et un policier. Le début du cauchemar commence dans la famille, la communauté, le quartier. Beaucoup d’injustices (systémiques) sont passées sous silence, jusqu’à ce que l’une d’entre elles crée une faille dans la logique sociale. Ce film, c’est l’histoire d’une de ces exceptions qui fait date.

Synopsis :
Starr est témoin de la mort de son meilleur ami d’enfance, Khalil, tué par balles par un officier de police. Confrontée aux nombreuses pressions de sa communauté, Starr doit trouver sa voix et se battre pour ce qui est juste.

L’histoire est fictive, mais ressemble comme deux gouttes d’eau à de nombreuses histoires qui agitent malheureusement trop souvent les quotidiens américains, ou français. Un jeune homme tué par un policier, sans raison apparente, ou plutôt, parce qu’il n’est pas né avec la « bonne » couleur de peau, parce qu’il n’a pas le « bon » âge, la « bonne » tenue le « bon » comportement… Tout du moins, parce qu’il a les caractéristiques qu’un policier, peut-être plus fatigué ou tendu qu’à son habitude, apprend à juger comme suspectes. D’où l’importance cruciale de réformer cet organe autoritaire (et de classe) qu’est la police…

Face à ce genre de situation, soit l’on considère que la vie est ainsi faite, et que le courant social est trop fort pour être remonté seul(e). Ou bien, l’on se dit que chaque décision doit être un effort musculaire et intellectuel pour aller à contre-courant et changer le cours des choses. Comme Starr dans le film, comme Amel, Assa, Doria et Sofia, et tant d’autres dans la vraie vie.

Mais s’opposer à la banalisation de l’anormal et de l’injuste comme le fait Starr dans le long métrage, c’est se confronter à toutes les résistances, à tout ce que ce monde possède de plus conservateur et d’autoritaire.
Ici, la police cow-boy et le système judiciaire bancal. Là, les politiciens et les idéologues des médias, toujours prompts à voir la violence des modestes, jamais celle des puissants. Là encore, les petits trafiquants gênés que leur quartier soit sous le feu des projecteurs. Alors que faire ? Se taire une fois de plus, au mépris du « bien et du juste », ou prendre tous les risques pour incarner un véritablement changement dans ce monde ?
Beaucoup jetteraient l’éponge face à la peur des gangs et de la police (qui agissent un peu pareil), face à l’angoisse de voir ses propos déformés dans les médias et dans la bouche des politiciens… Heureusement, d’autres tiennent le coup. Ceux-là sont de véritables lanceurs d’alerte. Ils ont du courage pour mille et méritent un respect immense. Starr est de ceux-là. Pour le meilleur et pour le pire.

Le relativisme de certains (dominants dans l’échelle socio-économique) font qu’il leur est plus confortable d’accuser ceux qui montrent les immondices de ce monde que ceux qui les produisent. Le conservatisme et l’autoritarisme sont une chape de plomb sur l’idée même de chemin vers un monde plus serein. Elle vient de là, la haine : de ceux qui disent qui sont les « bons » et les « méchants », sans préciser qu’ils soutiennent le camp de ceux qui amènent du malheur au monde, par les injustices, les inégalités, les dominations sexistes, racistes, classistes…

En ces temps où la parole sur les violences et le racisme policiers se libèrent, ce film montre les difficultés grandioses qu’affrontent les lanceurs d’alerte, et la férocité d’une caste qui refuse que les choses changent, qui refusent de céder la moindre parcelle d’égalité, pour leur petit confort individuel.
Il montre aussi (avec une certaine lourdeur parfois), le complet aveuglement du monde « blanc » à la réalité que subissent les Afro-américains. Starr allant dans une école privée et étant l’une des rares Noires s’y trouvant, elle navigue entre deux mondes, et n’assume pas de devoir révéler les difficultés qui existent quand on est Noir aux Etats-Unis devant ses amis qui ne se doutent de rien, à aucun moment… Ah, le fameux « privilège blanc », ah la fameuse technique consistant à critiquer des mots plutôt que la réalité qu’ils désignent…

Ce film n’est pas une grande oeuvre cinématographique, aux plans recherchés et au jeu d’acteurs décoiffant, mais il aborde des questions cruciales sur le racisme, les violences policières et les injustices aux Etats-Unis, et le fait avec une certaine acuité. En bref, La Haine Qu’on Donne est d’utilité publique. Visionnez-le sans hésiter !

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Petit argumentaire à propos du « documentaire » Hold-Up :

Ce qui est fou avec ceux qui veulent croire en une « vérité alternative » (donc en des mensonges), c’est qu’ils en oublient l’esprit critique qui les a amenés à ne plus croire en la vérité dite officielle.
Que les politiciens mentent, soit, et qu’ils le fassent de plus en plus, soit. Trump joue du mensonge à gogo, mais Macron aussi, et des Présidents l’ont fait avant eux.
Que certains médias ne critiquent pas le pouvoir, que les éditorialistes experts en rien du tout laissent passer les mensonges voire en créent par approximation et bêtise, soit.

Mais tout cela s’explique très rationnellement, à la fois par le changement de modèle économique de la télé notamment (l’information en continu et les débats d’experts poussent à créer du sensationnel, pour faire de l’audience, pour remplir le vide, et cela peut amener à l’approximation et à l’erreur), et par ce qu’on appelle en sciences politiques la « démocratie de l’opinion », c’est-à-dire la volonté des politiciens de dire ce qui va dans le sens des sondages, quitte à se désavouer quelques jours ou semaines plus tard (l’exemple des masques un jour inutiles puis le lendemain obligatoires est assez significatif ce cet amateurisme).

Argent et pouvoir. Voilà en résumé ce qui peut expliquer un rapport de plus en plus distendu à la vérité dans les sphères dominantes de la société. Et cela doit amener les citoyens à plus d’esprit critique, oui.

Mais de là à n’avoir plus aucun esprit critique à propos de ceux qui arrivent en annonçant « critiquer » la vérité officielle, c’est absurde. Prenons par exemple le docu Hold-Up (dont un twittos vous propose un petit résumé plutôt honnête) :

1/8
Bon, avec le grand courage et l’abnégation qui me caractérise, je me suis tapé le Hold’up en entier. Je suis donc en mesure de vous en faire un résumé :

— BD Meybeck (@meybeck_bd) November 12, 2020

Ne pas voir dans ce docu, et ce en quelques minutes seulement :
1/ Les plans séquence très courts et non contextualisés (matraquage rapide d’informations non vérifiables – et non vérifiées), sur fond noir et dans l’ambiance d’une musique digne d’un film à suspense. Tout cela a pour effet de mettre le spectateur dans une dynamique de méfiance, de suspicion. Même le dessin animé Dora L’Exploratrice pourrait paraitre suspect avec cette musique en fond…
2/ Les fausses informations (voir l’article de Science et Avenir dans les sources), les témoignages absurdes, les chiffres avancés sans explications ou précisions s’enchainent (de manière pire qu’à la télé, et certainement pire qu’en lisant des ouvrages spécialisés). On a des affirmations, des graphiques, mais sans détail, sans décryptage véritable. Où sont les explications sur les zoonoses ? Où sont celles sur la cause capitaliste (au sens large) des pandémies ? Où sont les justificatifs de la seconde vague de Covid ? Tout est conservé dans le brouillard, à dessein.
La technique du millefeuille argumentatif est parfaitement illustrée par ce documentaire qui compile des dizaines et des dizaines de petites idées imprécises voire fausses, mais organisées autour d’une ou deux idées vraies qui font office de « pied dans la porte » (c’est de la manipulation pure, mais bizarrement, celle-ci est validée par ceux qui disent défendre la vraie vérité qui n’est jamais celle des dominants)

3/ Les superpositions texte/image manipulatrices (ce magnifique Vuillemin, « expert en fraude scientifique » devenu rapidement « expert en métrologie de la santé », quel génie, quel machiavélisme !)

Dans ce faux docu, hyper malsain au passage, qu’est Hold Up, on a aussi un type qui sort de nulle part (quasi introuvable) et dont le poste d’« expert » change d’une heure à l’autre (bon et les appellations, euh?), ça me fume tellement c’est gros. pic.twitter.com/ftlftBM0Rx

— Marcus Dupont-Besnard (@Marcus_DB) November 12, 2020

4/ Les confusions volontaires entre différents sujets (d’ailleurs, plusieurs intervenants du documentaire comme Douste-Blazy ou Pinçon-Charlot (second témoignage ici) se sont désolidarisés car le montage tronquait leurs propos, changeait le sens de leur message, bref, les trompait eux et les spectateurs). Mais ça bizarrement, tout le monde l’oublie.
5/ Les témoignages à charge, sans aucun débat contradictoire (oh tiens, comme sur les talk-show de la télé, mais là encore, personne pour s’en offusquer)… Sans compter que la grande majorité des intervenants est à rapprocher de la sphère réactionnaires (voire d’extrême droite), d’où aussi une certaine réticence à ériger le modèle économique capitaliste dans son ensemble (et pas seulement Macron ou Bill Gates) comme responsable de cette pandémie, des inégalités, etc.

Un article magistral qui démonte minutieusement tous les rouages du pseudo-documentaire « Hold-up ».
Vrais infos et opinions délirantes, biais cognitifs et sophismes scientifiques mènent à un final digne des pires théories complotistes.
À lire !#EMIhttps://t.co/9geg1QHhn3 pic.twitter.com/VMMEhuRElE

— Alain MICHEL (@alainmi11) November 14, 2020

6/ L’idée de fausse simplicité : la construction même du récit nous fait croire que tout est lié, relié, organisé, planifié. C’est l’idée du rasoir d’Ockham : théoriquement, la l’hypothèse la plus simple est celle qui doit être analysée en premier. Mais cela ne veut pas dire pour autant qu’elle est la meilleure, la plus juste. Pourtant, le documentaire semble s’être contenté d’accumuler des petites idées simples (combien d’anecdotes, de cousins qui ont vu ci et de grand-mères qui ont vécu ça, avec une rigueur scientifique proche de zéro ?), et de partir du principe qu’elles aboutissent à une évidence holiste : grâce à toutes ces petites histoire de famille et ces quelques grands méchants de film, on peut enfin comprendre le monde d’un coup, comme c’est rassurant !
7/ Si le début du docu peut donner quelques faits à ronger, cela n’excuse en rien la fin. A partir de 2h12 minutes d’images, la révélation mystique est faite et à partir de là, les discours se lâchent : il faudrait arrêter de croire la science, et s’appuyer sur une lettre du Vatican (?) et une profileuse pour comprendre la vie (en gros, si vous voulez économiser 3h de temps, regardez simplement les 40 dernières minutes).
8/ Enfin et surtout, comment ne pas voir que là aussi, la post-vérité s’explique par notre modèle économique : puisque c’est vendeur (combien de thunes récoltées pour faire ce reportage, 300 000 euros environ ?) de faire du fake grandiloquent, pourquoi s’en priver ?
D’ailleurs, il est intéressant de noter que l’affiche initiale du docu affichait dans l’un des yeux le logo de CNews… Mais la chaîne ayant accepté de parler dudit docu, l’affiche a changé, remplaçant CNews par une autre chaîne. Tu parles d’un parti pris, tu parles d’une cohérence ! Imaginez ce même retournement de veste de la part d’un dirigeant politique ou d’une chaîne de télé…

1 : Affiche initiale #HoldUp
2 : Présentation ❤️ sur #CNEWS
3 : Affiche actuelle #Holdup

Apparemment, il suffit de vraiment pas grand chose pour manipuler les promoteurs du « docu » ? pic.twitter.com/bq53S7Th3s

— Guillaume Hoaxbuster (@Guillaume_HB) November 12, 2020

Et nous, en tant que spectateurs, pourquoi se laisser berner ? Juste parce que la personne qui réalise dit faire quelque chose qui « dérange » ? Est-ce un argument rationnel, scientifique ?
N’est-ce pas le même propos que Praud qui se défend quand on accuse son émission d’être nulle ? Zemmour de prôner des idées racistes ?
Nous laissons-nous berner juste parce qu’on est énervé contre les « zélites », juste parce qu’il est difficile d’accepter la complexité du monde est le doute qui va avec ?

Lire aussi : Le fonctionnement de la pensée complotiste

Au-delà des arguments que j’ai pu développer dans mon article sur le fonctionnement de la pensée complotiste, j’ai lu récemment un autre argument qui m’a paru crucial : un des points communs que l’on peut observer chez les complotistes, c’est le refus d’être dans la moyenne d’être dans la norme. Celui qui passe son temps à faire des recherches sur des sites de plus en plus obscurs, découvrant des éléments de plus en plus invraisemblables, qui commence à se croire plus « éveillé » et « conscient », qui progresse au sein d’un petit groupe de « sachants », a l’impression de s’extraire de la masse, d’être différent, d’être particulier. Sa croyance devient sa fierté. Cela le place dans le rôle du visionnaire, du héros, du Néo de Matrix. Et ça, un documentaire comme Hold-Up surfe dessus à 100%. Et pourtant…

Critiquer les dominants pour leur gestion des choses (politique, médiatique, économique), oui !
Chercher d’autres sauveurs utilisant les mêmes méthodes ? Certainement pas.

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Sources :
https://www.courrierinternational.com/article/decryptage-hold-mecaniques-du-documentaire-qui-denonce-une-manipulation-mondiale-du-covid-19
https://www.sciencesetavenir.fr/sante/covid-19-4-fake-news-majeures-presentes-dans-le-documentaire-complotiste-hold-up_149107
Twitter et Facebook (liens dans l’article)

Princesse Mononoké (Mononoke no Hime, « La Princesse des esprits vengeurs », dans le texte) est un film d’animation signé Hayao Miyazaki, sorti en 1997. Il est souvent décrit comme une oeuvre d’anticipation quant à sa lucidité sur la problématique écologique, la préservation de la nature y étant présentée comme opposée avec les velléités de production et d’enrichissement des humains. Mais le message de ce film est loin de s’arrêter là, et sa morale est bien plus complexe. Focus sur un animé dont on fête en 2020 les 20 ans de la sortie en France.

Synopsis :
Au XVe siècle, durant l’ère Muromachi, la forêt japonaise, jadis protégée par des animaux géants, se dépeuple à cause de l’homme. Un sanglier transformé en démon dévastateur en sort et attaque le village d’Ashitaka, futur chef du clan Emishi. Touché par le sanglier qu’il a tué, celui-ci est forcé de partir à la recherche du dieu Cerf pour lever la malédiction qui lui gangrène le bras.

Le périple d’Ashitaka le mène jusqu’à une forêt redoutable et magique où vivent des animaux géants doués de parole, et un Dieu-Cerf. C’est aussi aux confins de cette forêt qu’il accède aux Forges de Dame Eboshi, une petite ville qui tire de la fôret le fer nécessaire à la construction d’armes et à la survie des femmes et des hommes qui le composent. Pour que ce village perdurent, il faut donc déforester afin d’accéder au précieux minerai. Et ceci entre en contradiction totale avec la survie des habitants de ladite forêt, dont San (la fameuse princesse Mononoké), une jeune fille recueillie et élevée par les loups…

Un film qui milite pour un rééquilibrage entre nature et « culture »

Vous le voyez, vous le comprenez, le film est la peinture d’un changement d’époque. L’humain, jadis dominé par la nature, effrayé par elle, commence au XVIème siècle à prendre le pas sur elle. Les premières armes à feu notamment, construites grâce à l’exploitation et l’affaiblissement des sols, confèrent aux humains un pouvoir accru face à des animaux de moins en moins grands, de moins en moins forts, et qui voient leur habitat naturel grignoté peu à peu par l’ambition humaine.

Le film évoque cette transition-là. Et dans le film, la destruction de l’écosystème est symbolisé par une mystérieuse malade rendant fous les animaux qui s’échappent de leur environnement et s’attaquent aux humains… comment ne pas y voir un lien avec ce qui nous arrive aujourd’hui avec le COVID-19 ?

Eh oui, les différentes pandémies qui secouent l’humanité de plus en plus régulièrement ces dernières décennies sont inhérentes au capitalisme : la déforestation de zones vierges, l’élevage industriel et l’agriculture dans ces zones où vivent des espèces sauvages porteuses de bactéries qu’elles peuvent transmettre aux animaux d’élevage, puis domestiques, puis aux humains, les transports rapides sur de longues distances qui répandent ce virus dans le monde… C’est tout ce système économique qui crée les pandémies, pas le fait que les animaux sauvages aient leurs infections propres, dans des zones où l’humain n’est pas censé se trouver.
C’est la même chose dans Princesse Mononoké. La faune n’agresse jamais gratuitement, et bien souvent, elle ne fait que réagir à une agression extérieure…

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On le sait, ce ne sont pas les maladies, les blessures, les morts, les valeurs, l’éthique, qui arrêtent l’expansion du capitalisme. Dans l’esprit humain (un peu primaire, avouons-le, et qui se remet difficilement en cause), il y a donc lutte, et il faut se défendre contre une nature agressive (retournement du stigmate).
Dans l’animé, la lutte acharnée entre la nature sauvage et la « civilisation moderne » et ses accaparements intrinsèques est incarnée par la lutte fratricide entre Dame Eboshi et Princesse Mononoké (vous remarquez que les deux portent un titre honorifique, ce qui renforce l’opposition). Deux femmes fortes.

Et entre les deux femmes, Ashitaka représente la difficulté de trancher entre la nécessité pour la nature de prospérer, et l’envie des êtres humains de vivre dans de meilleures conditions. Et l’on semble deviner, peut-être, le positionnement de l’auteur ici : bien sûr qu’il faut que les humains puissent vivre, bien sûr que leur existence, afin d’être plus douce, devrait se faire en partie à l’aide de ce que procure la nature. Mais elle ne doit jamais se faire au détriment d’elle. Autrement, c’est la nature qui semble se « retourner » contre ses habitants (car ne l’oublions pas, l’homme n’est qu’un habitant de la Terre, pas son maître).

… mais plus fondamentalement, pour une révolution contre toutes les dominations !

Mais l’oeuvre de Miyazaki va beaucoup plus loin qu’une banale opposition entre l’homme et la nature, entre deux forces contradictoires et opposées. Et se garde bien de tout manichéisme. D’ailleurs, le personnage de Dame Eboshi apparaît aussi comme respectable, à plus d’un titre.

N’est-elle pas celle qui, dans son village de travailleurs, a recueilli les prostituées, les hommes pauvres, même les lépreux ? Ne soigne-t-elle pas les lépreux elle-même ? N’est-elle pas celle qui autorise les femmes à travailler, même à porter et utiliser des armes ? N’accueille-t-elle pas Ashitaka avec bienveillance, alors qu’il et un parfait étranger et ne lui témoigne pas beaucoup de sympathie au départ ?

Dame Eboshi, si elle est bien « contre » la nature, qu’elle considère comme empêchant le développement de sa communauté (à tort), est un personnage fortement défendu par les siens. Au niveau des problématiques humains-humains, elle incarne la lutte contre la domination, pour l’égalité des sexes et de classe (bien qu’elle se garde un statut à part). Enfin, elle incarne la modernité technologique, ses forges en étant le symbole, malheureusement destructeur.
Finalement, son véritable adversaire n’est peut-être pas San, dont elle partage le genre et le caractère acharné, mais plutôt le Dieu-Cerf. Ce Dieu qui peut tuer ou rendre la vie n’est ni bon, ni mauvais. Il est la nature même.

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Comme tout bon travail (oubliez les Disney ou Avatar), Princesse Mononoké réussit la prouesse de traiter d’égalitarisme, de féminisme et d’écologie sans manichéisme. Comme Ashitaka, Miyazaki semble nous inviter, pour trouver une solution aux problématiques écologiques, à « porter sur le monde un regard sans haine » ?

La science nous y aide. Les faits sur des désastres écologiques également. Les forêts ont un peu partout disparu, les cours d’eau et l’air sont pollués, les températures ont explosé, les animaux sont plus petits et affaiblis que jamais, tandis que certains humains règnent sur des territoires gigantesques sans partage. Tout cela provoque destructions, guerres, misères, inégalités, maladies, corporelles comme psychiques, insatisfactions…

Alors sans haine, mais avec discernement, il nous faudrait trancher, désormais… De quel monde voulons-nous pour demain ? Sortons-nous du cycle domination-violence-domination-violence, ou continuons-nous à nous épuiser tous les uns les autres jusqu’à la disparition complète de nos espèces ?

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Tout ce qui naît dans la misère meurt dans la misère. Cette maxime pourrait suffire à résumer le dernier film de Robert Guédiguian intitulé Gloria Mundi.

Marseille. Ville de contraste. Ville de soleil et de douceur, ville de misère et de saleté. Ville millénaire allongée dont les gratte-ciel flambant neufs cassent la silhouette, lascive et chaloupée. C’est ici que réside la famille que Guédiguian a choisie pour écrire son drame. Un drame plus systémique que propre à cette seule famille.

Synospis :
Daniel sort de prison où il était incarcéré depuis de longues années et retourne à Marseille. Sylvie, son ex-femme, l’a prévenu qu’il était grand-père : leur fille Mathilda vient de donner naissance à une petite Gloria. Le temps a passé, chacun a fait ou refait sa vie…
En venant à la rencontre du bébé, Daniel découvre une famille recomposée qui lutte par tous les moyens pour rester debout. Quand un coup du sort fait voler en éclat ce fragile équilibre, Daniel, qui n’a plus rien à perdre, va tout tenter pour les aider.

La petite Gloria vient de naître et ses parents galèrent sérieusement dans la vie. Problème, ses grands parents aussi (une situation statistiquement courante, qu’on appelle en sociologie la reproduction sociale). Les premiers sont vendeuse – en période d’essai – pour la mère, chauffeur Uber endetté par l’achat d’une berline, pour le père.
Les grands-parents, lui chauffeur de bus et elle femme de ménage, sont des gens sans prétention, mais qui pensent avoir tout fait, au niveau matériel et moral, pour que leur descendance (deux filles) puisse avancer dans la vie. Vivre et non survivre. Mais le capitalisme néolibéral n’est pas animal que l’on dompte facilement, sans y perdre des plumes. Il éparpille, il empêche de penser, il trouble. Il épuise, fatigue, et pousse à bout.

L’ubérisation, signe d’une déstructuration économique et sociale

En fait, le réalisateur filme une véritable descente aux enfers, digne d’un opéra, la musique classique accompagnant les images du long-métrage. Une déchéance d’humains ballottés, en souffrance continuelle, dans le professionnel et le privé, de la vie à la mort. Quand le travail est uberisé, de courte durée, de faible rémunération, inintéressant, harassant, il broie, en plus de ne pas permettre d’envisager l’avenir sereinement. Il crée des individus cupides, de plus en plus immoraux, tristes et violents. Incapables de se rebeller individuellement, et qui s’autodétruisent. Incapables de se rebeller collectivement (en faisant grève par exemple), et qui s’affrontent entre pauvres dans des guéguerres sans fin.

Lire aussi : Ubérisation, plateformes web et exploitation à la cool

Inutile de dire que cela ne se finit pas bien. Avec ce film assez noir mais crédible, Guédiguian se mue en Ken Loach de Marseille.
Macron dit avoir vu Les Misérables et avoir eu un choc. Cela quelques mois après avoir jeté à la poubelle un rapport (Borloo) sur les banlieues, qui décrivait – certainement avec moins de force poétique, mais autant de précision – la catastrophe humanitaire dans certaines banlieues françaises. Le cynisme de la Macronie est sans frontière.

On serait quand même bien tentés de pousser Macron et ses ministres à aller voir Gloria Mundi. Cela leur remettrait peut-être certaines idées à l’endroit sur la réalité quotidienne d’une famille populaire, en France, en 2019. Nos mêmes politiciens pourraient ensuite enchaîner avec l’intégrale de Ken Loach, qui décrit les mêmes traumas sociaux en Angleterre, terre ultra-libérale, terrain décrit comme exemplaire pour notre Gouvernement libéral.

Lire aussi : I Daniel Blake, nous ne sommes pas de vulgaires numéros

Ils y verraient comme la casse du système d’assurance chômage, la casse des retraites, de la santé, des transports et de l’éducation publiques, l’ubérisation du travail, etc. détruisent comme liens sociaux et font comme dégâts, matériels, humains, écologiques. Même politiques.

Pour quelques économies sur un an, ou cinq, doit-on accepter de rentrer dans un cycle de misère sur plusieurs générations ? Doit-on accepter de passer d’une vie dénuée d’intérêt à une mort inutile, pour quelques milliardaires dont l’humanité semble plus morte que vivante ?
La révolte ou la mort, semble nous dire Guédiguian. Le choix paraît tout fait…

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Tout commence par une annonce rendue banale par les médias, mais qui reste pourtant tragique pour des milliers de personnes chaque année : dans une petite ville industrielle du Nord de la France, l’usine qui fait vivre de nombreuses familles va être délocalisée. Évitant de se désunir face au patronat, les ouvriers s’organisent pour empêcher l’inéluctable. Au même moment, en Tunisie, la jeunesse, qu’elle soit éduquée ou non, broie du noir face à un marché du travail totalement amorphe…

Quel point commun peut-il y avoir entre Hervé, ouvrier nordiste pragmatique face à la fermeture de son usine, et Foued, chômeur plein d’espoir vivant dans une banlieue ouvrière de Tunis ?

Comme le dit Walid Mattar, réalisateur de Vent du Nord, « on ne voit souvent qu’une image réduite des délocalisations. Il manque des morceaux de vie ». Avec son film, l’équilibre est adroitement rétabli.

Le temps de son long métrage, l’humain reprend la place qui devrait toujours lui être dévolue : centrale. Et tout à coup, la cruauté d’un monde tout entier tourné vers l’efficience et la rentabilité se fait jour : dans chaque image, chaque visage, chaque dialogue.

Les perdants de la mondialisation

On rencontre d’abord Hervé, ouvrier depuis plus de 30 ans. Contrairement à ses camarades, lui ne se bat pas contre la fermeture de l’usine : la cinquantaine passée, il veut profiter de ce nouveau départ – et de la pauvre prime récompensant son ancienneté – pour acheter un bateau et se lancer dans la pêche, un vieux rêve. Malgré sa bonne volonté, Hervé rencontre des obstacles d’ordre administratif. Ni lui, ni sa femme, ni son fils ne sont préparés face à ces vagues de paperasses et de rendez-vous, face à cette bureaucratie froide et à ses impératifs absurdes… L’administration, inadaptée aux besoins du néo-entrepreneur, s’avère parfaitement contre-productive. Le rêve se transforme bientôt en cauchemar pour Hervé et sa petite famille, dont les liens s’étaient raffermis grâce à ce nouveau projet de vie…

De l’autre côté de la Méditerranée, on fait la connaissance de Foued, qui grâce à son nouveau poste dans l’usine récemment implantée, espère améliorer son destin, pour soigner sa mère malade avant tout, mais également pour convaincre la jolie Karima qu’il peut devenir un bon parti. Mais là encore, rien n’est aussi simple et il le réalise bien vite. En Tunisie, l’Etat est cette fois démissionnaire : Foued tombe des nues en découvrant sa première paie, dérisoire (une centaine d’euros), et sans couverture sociale s’il-vous-plaît ! Comment, dans ces conditions, peut-il aider sa mère et imaginer fonder une famille ? Foued perd espoir. Lui faudra-t-il cumuler emploi et débrouilles pour espérer voir ses conditions de vie s’améliorer ?

Au-delà des frontières, des ressemblances touchantes

Ce qui frappe en premier dans ce film, c’est l’authenticité du jeu des acteurs : le naturel des dialogues, la tendresse parfois crue qui s’en dégage. On s’émeut aussi du parallèle dressé entre les deux personnages principaux : chez Foued comme chez Hervé, le café tient une place importante : c’est le lieu des rencontres et des échanges, le lieu de l’humanité, qui contraste avec le monde de l’usine ou celui de l’administration. Et il y a aussi, dans les deux pays, l’importance cruciale de la mer, qui représente l’espace nourricier, mais aussi l’horizon de liberté face à un monde complètement imperméable aux désirs de vie des dominés.

En effet, les perdants de la mondialisation – au Nord – ne font pas mathématiquement des vainqueurs au Sud. Seuls les propriétaires des moyens de production gagnent au jeu de la libre-circulation du capital, en jouant sur le niveau de vie relatif des pays (et sur le développement de leurs institutions) pour accumuler les profits. Au nom de ce profit, nos deux personnages sont ballottés, dominés, maltraités. Contrairement au capital, les travailleurs ne sont pas libres de circuler et d’agir comme bon leur semble. Et tandis que les marchandises fabriquées par Foued peuvent faire le tour du monde, lui ne peut quitter son pays qu’illégalement. Triste ironie.

Lire aussi :  Ce qu’on ne dit jamais sur (les causes de) l’immigration

Cette réflexion finale vient apporter une vraie densité critique à un film qui se révèle bien plus touchant que la pudeur de son traitement ne le laisse transparaître. C’est là le talent de Walid Mattar. Si vous aimez les fresques sociales à la Ken Loach, vous ne pourrez que vous laisser transporter par ce rafraîchissant « Vent du Nord » et par ses aimables comédiens.

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Tu aimes les vidéos courtes et percutantes ? Tu es du genre à t’indigner, à te révolter contre les injustices et les aberrations de notre monde ? Installe-toi confortablement dans ton canapé (fonctionne aussi avec un lit, un fauteuil, un pouf…) et découvre notre série de vidéos/fictions qui va te donner envie de bouffer le monde !

Lire aussi : Quand les Indignés se font des films (la liste complète)…

Parfois (parfois seulement), une vidéo vaut autant que mille mots. Cette maxime, elle vaut pour le court métrage d’animation « IN-SHADOW : a modern odyssey » (trad. : Dans l’ombre).

Musique lancinante, images puissantes, oppressantes, le message est violent autant qu’il est satisfaisant.

Avec ce morceau de bravoure, dessiné, réalisé et monté par Lubomir Arsov – le travail acharné d’un engagé passionné -, on dispose là d’une oeuvre totale, qui vit par et pour elle-même. Et qui dénonce.

Les cadres que chacun et chacune se met dans la tête, comme des œillères qui empêchent de penser au delà des a priori et des on-dit. Les masques qu’on porte et les rôles qu’on joue aussi, qui nous séparent les uns des autres et de nos propres émotions.

La toute puissance de la finance qui, mettant la « main à la pâte » dans tous les médias et « graissant la patte » de tous les politiciens, constitue une oligarchie invisible, mais néanmoins totalitaire.

La place grandissante de la technologie, symbolisée par ces écrans qui nous fascinent et nous façonnent une réalité fantasmatique, bien éloignée du terrain, où la nature est broyée, les animaux sont genocidés, les humains les plus exposés sont abandonnés, selon la logique glaçante et passéiste du « chacun pour soi, les meilleurs survivront ».

L’industrialisation déshumanisante, l’objectivation des femmes, l’hypersexualisation de la société, les réseaux pédo-criminels, tout y passe, dans une ambiance pesante.

Ce court-métrage est une claque à la figure de l’Occident de société marchande capitaliste mais il a le mérite de remettre les idées en place, pour ne surtout pas se laisser glisser dans le train-train, porte ouverte à la résignation.

À la manière d’un clip des Pink Floyd, cette oeuvre de 13 minutes vous restera gravée en tête. En espérant aussi qu’elle vous donnera envie de mettre du coeur à l’ouvrage, du coeur pour vous reconnecter à la réalité, à la nature, aux autres, à la vie avant qu’elle ne se meurt.

Car après plusieurs minutes bien dures à encaisser, l’auteur (indépendant) nous invite à progresser, à grandir, humainement. On ne peut qu’applaudir le talent de Lubomir Arsov, en espérant que d’autres de ses oeuvres viennent émailler la médiocrité ambiante.

À voir, à partager.

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Nous vivons dans une société de classes, et c’est la mienne qui est en train de la gagner.

Ces mots ne sont pas de moi mais de Warren Buffett, l’une des plus grosses fortunes du monde. Et pour moi, ils résument bien le sens du film de Ken Loach, I, Daniel Blake. Même si le réalisateur se concentre sur l’étau étatique, et pas sur son pendant capitaliste (les deux faces d’une même pièce).

Synopsis :

Pour la première fois de sa vie, Daniel Blake, un menuisier anglais de 59 ans, est contraint de faire appel à l’aide sociale à la suite de problèmes cardiaques. Mais bien que son médecin lui ait interdit de travailler, il se voit signifier l’obligation d’une recherche d’emploi sous peine de sanction. Au cours de ses rendez-vous réguliers au « job center », Daniel va croiser la route de Katie, mère célibataire de deux enfants qui a été contrainte d’accepter un logement à 450km de sa ville natale pour ne pas être placée en foyer d’accueil. Pris tous deux dans les filets des aberrations administratives de la Grande-Bretagne d’aujourd’hui, Daniel et Katie vont tenter de s’entraider…

Le parcours du combattant de Daniel – en arrêt de travail suite à un problème cardiaque puis chômeur par défaut -, on est très nombreux à l’avoir vécu. Comme Daniel, on s’est souvent sentis démunis en appelant les standards téléphoniques surchargés et leurs musiques insupportables, face aux ordinateurs de Pôle Emploi (surtout quand on a un certain âge) ou face aux personnes bien réelles mais totalement conditionnées par leur hiérarchie et obligées de se blinder face à la dure réalité. Informatisation, robotisation, hypermodernité, mais où est cachée l’humanité ? Où est partie la dignité ?

La réalité indigne de Daniel, nous sommes des milliers à la connaître et à la subir. Mais assurément, les personnes au pouvoir ne la connaissent pas. Sinon pourquoi voteraient-ils des lois menant à ces incongruités sociales ?

La force du film : faire apparaître les structures qui agissent à travers les hommes

On le voit à de nombreuses reprises : les humains ne sont pas mauvais en soi ; souvent même, ils veulent agir dans le bon sens quand ils sentent une injustice, ou un désespoir. Mais ils se retiennent, et les raisons pour qu’ils le fassent sont nombreuses :

« Et si c’était moi qui était dans cette situation, est-ce qu’on m’aiderait ? Et si je l’aide, est-ce que mon supérieur va me blâmer ? Et pourquoi je le ferais pour lui et pas pour les autres ? » etc.

Dans une société injuste, l’injustice ne provient pas « naturellement » des plus riches envers les plus démunis. Elle est créée consciemment car légalisée, puis justifiée sans arrêt à travers les discours politiciens et médiatiques.

Ne nous leurrons pas. Ce sont des lois – et le fait qu’elles soient injustes ou pas – qui déterminent les structures sociales, et ce sont ces structures qui déterminent les comportements individuels : avec des règles différentes, le destin de Daniel aurait été différent car les comportements des personnes autour de lui auraient été différents. Ce n’est pas une manière de déculpabiliser les gens, car on peut toujours faire mieux individuellement, mais aucun individu seul ne peut changer les structures sociales, c’est un fait.

L’ultra-libéralisme, une arme anti-entraide

C’est avant tout la loi capitaliste ultralibérale qui fait office de doctrine officielle, en Angleterre comme partout en Occident, et on voit bien où cela mène. Pourtant, c’est la continuité de ce destin morbide que beaucoup de candidats nous promettent ici aussi (dans l’adhésion majoritaire) : de Le Pen à Hamon, en passant par Fillon et Macron, qui est réellement anti-système, qui propose de réellement changer les institutions, les lois, les règles du jeu ? Pourquoi suivez-vous ces bourreaux ?

Ne suivons pas. Pensons à Daniel. Daniel qui a réaffirmé son statut d’homme « libre » en pratiquant la désobéissance civile. En taguant son nom d’homme sur un mur (encore une chose interdite, contrairement aux licenciements massifs), comme pour crier qu’il n’était pas un numéro de plus.

La déshumanisation. La désincarnation face à la superstructure administrative d’un appareil d’Etat qui vote des lois et des passe-droits pour les entreprises, l’obligeant ensuite à payer les pots cassés. Telle est la fable de l’ultracapitalisme. Et la morale en serait : « Tuez le système ou tuez-moi. »

Merci à Ken Loach de continuer ses oeuvres engagées dans un monde où la caste culturelle n’est que façade et n’a (presque) plus aucune velléité militante. Merci.

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